Biografie

Ungarischer Maler, Grafiker, Hochschullehrer

Budapest, 27. Februar 1926 – Zsennye, 6. Mai 1995

Erik Scholz’ künstlerisches Schaffen erstreckt sich über fünf Jahrzehnte. Charakteristisch für ihn ist das unermüdliche Streben nach einem eigenen malerischen Ausdruck. Sein Streben nach einer eigenen, eigenständigen und authentischen Bildsprache spiegelt sich in der wiederholten Neugestaltung seines künstlerischen Mikrokosmos wider. Seine Kunst folgte stets seiner eigenen inneren Bildsprache. Daher lässt sich Erik Scholz keiner künstlerischen oder malerischen Strömung zuordnen.

Das Gesamtwerk von Erik Scholz lässt sich in drei Hauptphasen unterteilen:

1950–1963: Die Ära des Realismus
Diese Zeit war geprägt von der Suche nach seinem eigenen künstlerischen Weg und der Vertiefung im Stil des Realismus. Im Mittelpunkt seiner Werke stand die Darstellung der Realität, während sich allmählich sein individueller Stil herausbildete.

1964–1988: Die Ära des „assoziativen Naturalismus“
Scholz entwickelte in dieser Zeit seinen ganz eigenen Stil, den er als „assoziativen Naturalismus“ bezeichnete. In seinen Werken ging er von der Realität aus und schuf entlang freier Assoziationen, wobei er die naturalistische Darstellung mit spannenden, symbolischen Elementen verband.

1988–1995: Die Phase der Spätwerke
In der letzten Phase seines Lebens entfaltete sich Scholz’ Experimentierfreude in der Anwendung neuer Techniken, beispielsweise bei der Verwendung von Rhizoma und mit Holzasche vermischtem Plexol. Mit diesen innovativen Methoden passte er seine Kunst an zeitgenössische Strömungen an, behielt dabei jedoch seine ganz eigene Ausdrucksweise bei.

Erik Scholz studierte seit 1944 an der Akademie der Bildenden Künste in Budapest im Atelier von Professor István Szőnyi. Die kommunistische Machtübernahme von 1948 machte jedoch der freien Meinungsbildung in allen Bereichen ein Ende. Auch im Bereich der Kunst war nur der sogenannte sozialistische Realismus erlaubt, die bildende Kunst wurde der Politik unterworfen. Um dem vorgeschriebenen Stil und der Verherrlichung der Arbeiter- und Bauernklasse zu entgehen, wechselte Scholz in die Mosaikabteilung von Professor Géza Fónyi.

Wir stellten fest, dass sich der sozialistische Naturalismus im Fachbereich Mosaikkunst nicht umsetzen ließ. Das Material widersetzte sich dem! Ich begann zu verstehen, wie man die Bildhaftigkeit in das Material übertragen kann. Hier entwickelte ich ein Gespür für die Natur des Materials und dessen Fähigkeit, geistige Inhalte zu tragen und zu vermitteln.

1949 schloss Scholz sein Studium mit dem Diplom ab, blieb aber noch ein Jahr lang als Assistent an der Universität. In dieser Zeit entstanden seine ersten Ölgemälde. 1950 erhielt er den staatlichen Kunstpreis, den „Munkácsy-Preis“. Für den jungen Scholz löste diese frühe Anerkennung eine mehrjährige, für die damalige Zeit typische Ambivalenz zwischen dem „echten“ und dem „kompromissbereiten“ Künstler aus. Um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, musste er im Rahmen staatlicher Kunstaufträge wöchentlich ein Bild abliefern. Daneben entstanden auch Porträts und Landschaftsbilder. 1955 fand in Szombathely in Westungarn seine erste Einzelausstellung statt.

Der Regierungswechsel von Stalin zu Chruschtschow im Jahr 1957 brachte für Erik Scholz einen persönlichen Durchbruch: Auf Einladung des „Salon Populiste“ reiste er 1957 nach Paris. Er blieb dort sechs Monate lang und wurde zeitweise von Emigranten unterstützt.

Als ich in Paris ankam, war ich völlig geschockt! Ich hatte das Gefühl, dass alles, was ich malen wollte – sobald ich endlich wieder frei malen durfte, was immer ich wollte –, hier bereits gemalt war. Deshalb erfüllten mich diese Pariser Eindrücke zunächst mit Angst. Gleichzeitig fühlte ich mich aber auch befreit, denn mir wurde klar, dass hier alles erlaubt und alles möglich ist. Es gibt keine Grenzen, jeder hat seine Chance.

Diese Erfahrungen haben seine künstlerische Entwicklung maßgeblich geprägt. Vor allem haben sie die Leichtigkeit seiner Kompositionen, seine assoziative Herangehensweise und den Einsatz verschiedener Techniken gefördert.

Die zweite Schaffensphase (1964–1988) lässt sich, abgesehen von einigen kleineren Stiländerungen und malerischen technischen Experimenten, in zwei Hauptthemenbereiche unterteilen: Die Gruppe der figurativen Darstellungen umfasst imaginäre Porträts, das wiederkehrende Motiv der Gruppenbilder sowie mythologisch-sakrale Werke, die eine ganz besondere Atmosphäre ausstrahlen. Die zweite Gruppe umfasst Darstellungen der Natur und ihrer Metamorphosen. Scholz selbst bezeichnet diese Schaffensphase als „assoziativen Naturalismus“:

Ich habe meine Assoziationen an die von der Natur vorgegebenen Gesetzmäßigkeiten angelehnt.

1988 wurde Scholz, mittlerweile als anerkannter Künstler, finanziell unabhängig und ließ sich in dem westungarischen Dorf Zsennye nieder, wo er im ehemaligen Kuhstall eines Bauernhauses sein Atelier einrichtete. Er brach seine bisherige künstlerische Laufbahn ab und startete völlig neu durch. Seine Denkweise war nun abstrakt und universell geworden. Die Malerei hatte eine neue geistige Ebene erreicht.

In den Auwäldern des Flusses Rába fand er die Rhizomorphen des Ringhalimaschs (Halimasch). Diese Pilzfäden löste er nach dem Entfernen der Rinde des abgestorbenen Baumes ab und verwendete sie als biologische Applikationen. Die aus der Bildebene herausragenden Pilzfäden machen die Bildoberfläche spannend und spektakulär und bieten viel Raum für die freie Entfaltung von Assoziationen. Die natürlichen Strukturen des Fadengeflechts entwickelt der Maler im Bild weiter. Auf weißem Hintergrund entstehen monumentale Kompositionen. Die Fäden bilden menschliche Gestalten und emblematische Figuren. In späteren Bildern werden die Hintergründe farbig. Die Fasern der Rhizome wandeln sich: Ihr linienartiges Gewirr erhält eine räumliche Wirkung, wird zu einer Raumgrenze und ragt plastisch aus der Bildfläche hervor, wodurch feine, geheimnisvolle Muster entstehen.

In letzter Zeit erlebe ich in meinem Atelier in Zsennye ganz ungewöhnliche Dinge: Wenn Besucher kommen, sehe ich eine Mischung aus Freude und Staunen, aber keinerlei Verwirrung. Normalerweise senkt ein Besucher, der das Atelier eines modernen Künstlers betritt, den Kopf, weil er es nicht sofort versteht und auf eine Erklärung wartet. In meinem Atelier verhalten sich die Menschen wie Kinder in einem Spielzeugladen: Sie lassen sich völlig gehen.

Einige Jahre vor seinem Tod durchlief Scholz einen weiteren Stil- und Formwandel und verwendete neue Materialien und Techniken: Er mischte die Asche von Bäumen, die er in seinem eigenen Garten gesammelt hatte, mit Asche und setzte Plexiglas ein. Die plastischen Möglichkeiten, durchdrungen von asketischer Feinheit, verliehen seinen Werken einen letzten Schwung, wobei er besonderen Wert auf die Darstellung von Bewegung legte.

Die sich dynamisch bewegenden Figuren erhalten ihre Plastizität durch die dick aufgetragene, raue Holzbeize und deren Färbung.

Scholz gab einer seiner letzten Ausstellungen den Titel „Atavismen“.

Ich rufe die Lebensspuren der Wesen der Vergangenheit und die Geister der Vorfahren herbei und mache ihr Schicksal mithilfe von Holzasche und Rhizombäumen sichtbar